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Grand format Interview Illustration, Gravure, Hachure, portrait Publié le 05.01.2015

"Je veux aider les gens à porter un regard plus honnête sur nous-mêmes"

Patience, précision et détails en pagaille sont des caractéristiques propres à l'impressionnant travail de l'illustratrice Olivia Knapp. Une rigueur appliquée à la main sur papier avec une technique affinée au fil des années. Aujourd'hui son univers fantastique se déploie sur des créations uniques, peuplées d'étranges créatures. De Seattle, où elle exerce ses talents, la jeune américaine nous raconte les étapes clés de son parcours et dévoile les inspirations qui ont donné naissance à son style.

Comment êtes-vous devenue illustratrice ?

En 2012, alors que je travaillais encore à plein temps comme designer textile, on m’a demandé de créer un imprimé de t-shirt, inspiré d’une gravure d’un relief baroque. Le processus qui m’a amené à réinterpréter cette esthétique avec un crayon et une feuille de papier était extrêmement agréable. Après avoir fini ce print, j’avais envie d’en faire plus. J’ai alors commencé à expérimenter pour moi ces illustrations basées sur une trame hachurée, tout en continuant mon travail en entreprise. Un jour, j’ai montré mon travail à quelques amis et, petit à petit plusieurs personnes m’ont approchée, et m’ont demandé de leur créer des logos et des illustrations. Depuis le métier d’illustratrice est devenu mon activité à plein temps. Ce t-Shirt aura été la naissance de ce style hachuré que j’utilise encore aujourd’hui.

Comment votre expérience dans le design textile vous aide dans votre activité actuelle d’illustratrice freelance ?

J’ai une bonne maîtrise de la variété des processus d’impressions sur différents matériaux. Ça aide beaucoup, quand j’utilise de nouveaux supports pour mes dessins.

Comment organisez vous votre temps entre le travail personnel et la commande ? Y a-t-il un lien entre les deux ?

Je cherche encore à équilibrer correctement les deux. J’ai été beaucoup bookée pour des travaux de commande ces 5 derniers mois, donc je n’ai pas trop respecté cet équilibre récemment. Je reste néanmoins très sélective par rapport aux travaux de commande dans lesquels je m’engage. J’espère que ça va me permettre d’envisager une ouverture sur un nouveau projet personnel très vite.

Comment ce style, influencé par les gravures du 16e et 18e siècle vous est il venu ? Quelles sont vos inspirations ?

Ce projet de T-shirt que j’ai réalisé en 2010 m’a conduit à explorer le style quadrillé et la gravure. Cependant, j’avais une grande admiration pour ce type d’esthétique depuis longtemps. Environ 6 ou 7 ans plus tôt, le MOMA avait fait une exposition sur l’évolution de l’impression. Je me souviens la traverser, admirant les gravures agrandies dans des tailles immenses. J’étais immergée dans ces images. Chaque ligne semblait draper la surface de son sujet, telle une marque de doigt passé sur une chose convoitée. Quand j’ai pris du recul sur ces pièces, les lignes sont soudainement apparues comme une chimère. Ce regard et cette idée derrière ces expressions étaient surement les plus belles choses que j’ai pu expérimenter. Pourtant, cet art a été sous-évalué lors de son apogée, aujourd’hui il est encore trop peu mis en avant.

Pourquoi utilisez-vous des techniques manuelles et quel est votre outil favori ?

En plus d’aimer le processus de méditation et l’accomplissement que procure l’artisanat, le travail et la concentration impliqués dans chaque pièce soutient des valeurs artistiques primordiales. Cela requiert de la patience, une main et un esprit fermes, toutes les qualités qui sont nécessaires pour surmonter les obstacles de la vie. Ce processus additif qui se base sur des matières premières fait partie de cet engagement. Il n’y a pas de retour en arrière. Avec chaque ligne organique imparfaite, je continue d’avancer sachant qu’il faut considérer ce travail dans son ensemble. Je pense que ces messages se reflètent dans cette esthétique.

Mon outil favori est un stylo Micron. J’utilise également un marqueur blanc et un portemine vieux de 40 ans qui appartenait à mon père lorsqu’il était architecte.

Vos créations montrent des créatures singulières. Cette hybridation entre humain, nature et technologie évoque-elle quelque chose de particulier ?

Je suis heureuse que vous parliez de créature hybride, pour ma part je vois mes dessins comme des portraits, or, ils sont trop souvent décrits comme des natures mortes. Le principal sujet de mes créations est « le Cœur et la Tête ». J’utilise la flore, la faune, la technologie et d’autres objets du quotidien comme une expression symbolique de notre monde intérieur. En anthropomorphisant ces organes, j’espère aider les spectateurs à faire la différence entre la « conscience de soi » et l’esprit, le désir. Quand nos voix intérieures et nos conditions de vie ne sont pas en harmonie, l’émotion qui prédomine est souvent la honte. Je veux aider les gens à porter un regard plus honnête sur nous-mêmes. Un regard qui suppose la complexité.

Dans le futur, souhaitez-vous travailler sur des sujets, techniques ou des clients en particulier ?

J’aimerai beaucoup créer un visuel pour Jónsi & Alex. Je m’efforcerais de créer de un art aussi émouvant que leur musique.

http://www.oliviaknapp.com
http://instagram.com/oliviaknappart



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