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Grand format Interview Publié le 04.06.2018

Jordi Lafebre : "La bd n'a pas encore exploré toutes ses possibilités."

Jordi Lafebre travaille en tant que freelance depuis 1998. Il dédie son travail à la création de bd, de nouvelles graphiques, à l'illustration et au dessin de personnages. Il aime dessiner depuis l'enfance. Cela associé à sa passion pour raconter des histoires, en fait un auteur né.

Lafebre est d'avis que d'une seule image peut jaillir une histoire. L'émotion dans les images, comme il l'explique, est la plus importante et les personnages viendraient en second plan, ils sont «là» et son travail consiste à les attraper. gràffica a discuté avec Jordi Lafebre sur sa perception du monde de la bande dessinée et de la manière dont ceci influence son travail.

Comment arrives-tu à avoir un style si défini?

Dans mon cas, et je pense aussi dans le cas de beaucoup d'autres illustrateurs, le style n'est pas tant une recherche d'apports - influences, styles ou intérêts - extérieurs. C'est plutôt une acceptation de ce que je suis et de laisser évoluer ce qui demande à sortir. Le style nait d'un trait, soit d'un geste du bras, et chacun a une vitesse et une force différentes.

Les mouvements peuvent être éduqués, bien sûr, mais en ce qui concerne la personnalité, je pense qu'il est plus facile d'enquêter sur les propres tendances de chacun.

Au fil du temps, j'ai compris qu'il y avait aussi une recherche inconsciente de ce qui me fascinait lorsque j'étais enfant. Vous avez une image idéale créée dans votre tête - un peu floue - et la mise au point se révèle être quelque chose qui a toujours été là. Évidemment, je me documente et je suis inspiré par le travail de graphistes (pas nécessairement d'illustrateurs), mais le style personne provient de l'ADN graphique de chacun.

Quelles bandes dessinées lisais-tu petit ? Comment t'ont t'elles influencées ?

Il m'a fallu beaucoup de temps pour apprendre à lire. Les bandes dessinées m'ont aidé à lire, mais je sautais la plupart de bulles. Donc je vais avouer que j'ai "vu" beaucoup d'Astérix et de Tintin, mais quant à lire correctement leur paroles, c'est une autre affaire.

Enfant, la bande dessinée et l'animation exerçaient une magie sur moi : je me sentais littéralement à l'intérieur de ces mondes, et je regardais chacun des détails que ma tête était en mesure de saisir. Puis j'ai continué à chercher cette magie, et pour cette raison j'essaie maintenant de créer un monde graphique dans lequel tout est cohérent et a sa propre entité.

Je me sens plus à l'aise dans un monde de lignes, où le trait marque le début et la fin des objets, formant presque une liste de mots au sujet de l'existant. En cela, la tradition franco-belge a de grands maîtres et je m'y rattache, même si j'ai d'autres influences interculturelles, parce que je lisais aussi des mangas et des comics américains et tout ce qui me tombait entre les mains.

Combien de temps consacres-tu à la documentation avant de concevoir les personnages de tes bandes dessinées ?

J'aime beaucoup la documentation. Elle fait partie du processus de dessin et je ne compte jamais les heures passées à me documenter, mais je pense qu'elles sont nombreuses. Pour travailler à un moment donnée et dans des lieux spécifiques, j'aime me sentir sûr et comprendre la période historique, alors parfois j'étudie le motif des vêtements ou les coupes de cheveux afin de dessiner en connaissance de cause.

Le dessin est une manière fascinante d'entrer dans un monde que vous connaissez peu. Pour dessiner quelque chose de bien, il est préférable de le comprendre et pour cela, il faut l'étudier un minimum.

Cela ressemble à l'image de l'iceberg : il y a beaucoup de travail en dessous pour faire ressortir un dessin bien documenté. De plus, la mémoire collective fonctionne de manière très puissante. Si vous frappez la bonne touche au moment du dessin, le lecteur se sent immédiatement transporté là où l'histoire se passe. Cela fait partie de la magie dont nous avons parlé au début.

Quel processus suis-tu avant de commencer à dessiner ?

Cette année 2018, je suis professionnel depuis 20 ans. Ma personnalité et mes habitudes ont évolué avec le temps et je suppose - et j'espère! - qu'elles vont continuer à changer. Le dessin doit être vivant.

J'ai cherché la simplicité dans les formes et la profondeur du contenu pendant un moment; en particulier pour les images isolées ou les vignettes clés de l'histoire.

Cette recherche de simplicité tournait dans ma tête avant même de toucher un crayon. Je pense les couvertures ou les affiches des semaines avant de me permettre d'esquisser une seule ligne. Sans quoi le dessin peut devenir un peu traître et couvrir superficiellement des lacunes de sens. J'aime les solutions simples : une fois que vous voyez le dessin, aucune autre option n'est possible.

Dans le cas du dessin narratif dans les bandes dessinées, pour lesquels je pars d'un scénario, j'essaie d'arriver au dessin d'une manière nouvelle, sans trop esquisser auparavant. C'est comme marcher sur une corde sans filet, cela me force à travailler pleinement concentré et je pense que le dessin acquiert une autre densité.

Comment fais-tu le choix des couleurs pour chaque travail?

Pour la couleur dans les bandes dessinées, j'essaie de donner toute l'importance possible au récit. Je ne comprends pas qu'il puisse y avoir des éléments d'une vignette, ou même des vignettes entières, décontextualisées ou dépossédées de leur charge émotionnelle supposée.

La couleur, à mon avis, fonctionne comme une bande sonore qui donne une base subtile au lecteur de ce qu'il devrait ressentir et penser dans chaque scène.

Ainsi, les plages des séquences peuvent beaucoup varier en fonction du moment narratif. Je garde également à l'esprit la période historique où l'histoire se déroule, et j'essaie de tout équilibrer dans un processus qui ressemble étroitement au calibrage d'un film (la correction des couleurs après le tournage pour donner l'apparence appropriée à la scène). En bref, je cherche une couleur générale pour la scène, ou deux couleurs qui dialoguent. Est-ce la nuit ou le jour? Est-ce à l'intérieur ou à l'extérieur? Est-ce une scène de calme ou de tension? Enthousiaste ou triste?

Pour des œuvres isolées, des couvertures ou des illustrations, je suis un processus similaire mais je dois prendre en compte le contexte dans lequel l'image ira et sa taille de reproduction. Il n'y a aucune difficulté à la lier dans une histoire de manière cohérente, mais néanmoins vous devez lui donner la force nécessaire pour être perçue parmi plein d'autres images et distractions.

Qu'est ce qui t'inspire, au moment de dessiner de nouveaux personnages ?

Le personnage est là, mon travail est de le capter, comme une antenne. Ma volonté de capturer un personnage en images semble un peu métaphysique . Je laisse habituellement le personnage venir seul, d'après ce que suggère une phrase dans le texte, ou un souvenir. Je suppose que la source d'inspiration, pour essayer de répondre à la question d'une manière plus ordonnée, est à la fois tout et rien en particulier.

En général, il y a un truc, un premier indice sur le personnage, puis je tire le fil. Si c'est un personnage de bande dessinée, puis basé sur le dessin, il évolue et prend ses propres formes et personnalités, que je n'ai pas décidé consciemment.

Travailles-tu sous commission, essaies-tu de vendre des projets personnels ? Comment se passe ta relation avec le client dans le cadre des commandes ?

Quand je cherche un éditeur qui donne corps et financement à un projet, j'essaie que ce dernier naisse d'une agitation intérieure, un sujet vraiment important pour moi. Ensuite, nous devons rechercher la relation d'équilibre entre ce qui m'intéresse et la forme finale dans laquelle le public cible trouvera un certain intérêt.

Si c'est une mission qui m'a été confiée, pour l'accepter, je devrais garder un minimum de cohérence avec mes autres travaux, je ne pense pas que cela ait du sens de se disperser en terme de styles et de formats. Mais une fois la commande acceptée, je suis au service du client. Mon rôle d'auteur passe au second plan. J'apporte mes connaissances et ma créativité en cherchant de nouvelles options, mais le critère toujours final est toujours celui du client.

Qu'est-ce que cela signifiait pour toi de travailler avec le scénariste belge Benoît Drousie (Zidrou) ?

Un mail de Benoît est apparu dans ma boîte de réception au moment même où je cherchais un scénariste pour travailler sur le marché francophone. La vie fait parfois ce genre de choses. Je me suis lancé pleinement dans cette collaboration parce qu'il cherchait quelqu'un depuis des années pour ce projet, sans succès. Nous avons vu qu'il y avait une alchimie professionnelle et nous avons continué à travailler, continuellement, à ce jour. Vous ne pouvez pas expliquer mon travail de mes dix dernières années sans le mentionner : j'ai dessiné ses mots. Au fil du temps, j'ai trouvé une place sur le marché et le public reconnaît mes dessins, et c'est flatteur, mais c'est avec lui que j'ai franchi ce seuil.

La réception de tes bandes dessinées par le public franco-belge est-elle différente une fois qu'elles sont publiées en Espagne ?

Chaque accueil me parait bien! Pas seulement en Espagne ou sur le marché francophone, mais aussi dans les différents pays où les bd sont traduites. Les chiffres varient, bien sûr, parce que chaque marché est différent, mais je n'ai pas vraiment entrepris de faire une étude détaillée. Les beaux étés, par exemple, est notamment publié au Japon et au Brésil, ce qui me semble être un succès en soi! Et il ne se passe pas une semaine sans recevoir un message de louange de la part de quelqu'un qui a apprécié un livre. Tout ca est super. Ma réponse semble naïve, mais c'est la vérité. Le public en tant que tel est très volatil, peut être intéressé un instant, puis pour des raisons très diverses, ne plus l'être l'instant d'après. Une partie de notre travail consiste à continuer à raconter des choses qui font vibrer le public. Le simple fait de savoir que vous atteignez beaucoup de gens dispersés autour de la planète est quelque chose très satisfaisant.

Penses-tu qu'une bande dessinée devrait faire réfléchir le lecteur ou être un pur divertissement ?

Je pense que la bd n'a pas encore pu extraire tout le jus dont elle est capable. Le format bd est utile pour tous les types de narrations : la fiction bien sûr, mais aussi le reportage, la poétique, la dénonciation, la recherche artistique et plastique ...

La bd entendu comme un moyen pour tout ce que l'auteur veut faire avec, puisque c'est une langue, plutôt qu'un message, de la même manière qu'il y a toutes sortes de musique, du classique le plus banal et tout a son moment et votre public.

La meilleure façon de défendre le genre est de le mettre en difficulté, de l'utiliser pour différents messages et différentes intentions.

Nous nous sommes entretenus avec l'illustrateur de bd Paco Roca. Il nous a dit que la situation des illustrateurs de bandes dessinées s'est améliorée en termes de propriété intellectuelle et d'information quant à leur droits. Tu es d'accord ?

Le marché des produits culturels change les goûts et la consommation du public. Nous nous habituons à écouter de la musique gratuite ou à payer très peu, ou avons une quantité inouïe de produits audiovisuels pour un paiement mensuel fixe. La relation du consommateur à la rémunération de l'auteur a changé et continue de changer. Pourquoi dis-je cela? Parce qu'il y a plusieurs façons de lancer un produit culturel et que chacune rétribue différemment les auteurs. Parmi les auteurs, nous voyons également différentes relations avec le public et la propriété intellectuelle. Il y a ceux qui détiennent à 100% la gestion de leurs œuvres et il y a ceux qui cèdent complètement les droits en échange d'un paiement fixe, certains avec plus de risques et plus de liberté, et d'autres avec une rémunération à négocier avec l'entreprise, comme toute autre salarié.

Pourquoi avoir décidé de devenir indépendant ?

Ce n'était pas une décision en tant que telle. J'ai commencé à travailler à 19 ans, de petites commandes arrivaient ici et là. J'ai débuté la bande dessinée dans un magazine, ce qui était ce que je voulais faire. Après un certain temps, j'ai réalisé que je menais la vie d'un pigiste. Et ça fait 20 ans que çà dure ! Je n'ai jamais travaillé dans un bureau, ni pour une seule entreprise, toujours depuis mon studio et en train de sauter d'un projet à l'autre. C'est ma façon de travailler, je pense que c'est comme ça que je profite le plus de mon temps et de mes connaissances.

Comment partages-tu ton travail à travers les réseaux sociaux ? Comment influencent-ils ta façon de travailler ?

Les réseaux sociaux sont une vitrine (très sophistiquée) ou au moins je les comprends de cette façon. Même si, comme je l'ai déjà dit, beaucoup de nos comportements et habitudes de consommation ont changé, j'essaie de maintenir dans leur fonction initiale : partager et montrer autant que possible mon travail et le rapprocher du public. Cela signifie que je ne change pas de style ou de produit en fonction de ce qui est plus ou moins réussi dans les réseaux, et encore moins que le matériel que je poste devient le produit lui-même. Il y a beaucoup de créateurs qui sont devenus très populaires dans les réseaux basés sur des travaux spécifiques pensés pour leurs plates-formes, mais ce n'est pas mon cas. Je pince des pincettes de ce que je produis, en m'adressant à un public mondial qui n'a pas besoin de me connaître.

Maintenant j'utilise trois plates-formes différentes, et la relation et l'interaction dans chacune d'entre elles changent de l'une à l'autre. Et j'apprends beaucoup de cela, car le public du réseau social valorise des choses très différentes de ce à quoi je m'attends. J'ai toujours des surprises.




Images : illustrations de Jordi Lafebre
Ecrit par Jorge Gil, pour gràffica
Traduit de l'espagnol par Stéphanie Thiriet



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