Mono Grinbaum, lettrages contestataires

Diego, surnommé « Mono » (Singe), Grinbaum est résolument un être à part, un personnage à plusieurs têtes et qui réfléchit simultanément à plusieurs projets, du monde de la musique au graphisme, en passant par la cuisine. Diplômé de la faculté d’architecture et d’urbanisme de l’Université de Buenos Aires, il a développé une esthétique singulière, basée sur le lettering et la dénonciation de la société de consommation.

Mono Grinbaum. Crédit photo : Pilar Scarpati

Il est exposé à Fiesta Gráfica, visible gratuitement jusqu’au 7 mai, à la Maison de l’Amérique Latine. L’exposition montre l’émulation créative des affichistes officiant outre-atlantique. La créativité de ceux que l’on ne connait pas ou que trop peu. Les affiches culturelles, l’art urbain et démocratique par excellence, empreintes d’histoires et d’enjeux forts, s’installent dans l’espace muséal. Pas besoin de voyager donc pour voir l’art graphique de l’Amérique latine. Les 26 artistes présentés dans l’exposition sont animés par le désir d’interpeller et de susciter le débat. Si les façons de faire divergent, les intentions demeurent similaires. Bercés par un continent à l’histoire forte et tumultueuse : colonisation, fractures sociales, dictatures et crises économiques, les graphistes d’Amérique Latine ont énormément à dire !

étapes: laisse la parole, dans une série d’articles, à ces graphistes et affichistes qui n’ont pas peur de partager ce qu’ils pensent et qui œuvrent, par le graphisme, en faveur du collectif, pour une société plus juste. 

Comment définissez-vous votre engagement social et politique ? Comment réussissez-vous à associer ces deux thèmes en un seul poster ?

La vie sociale est politique. Nos décisions et la manière dont nous souhaitons vivre sont de nature sociale, politique, et économique. Mon travail d’artiste, d’enseignant, de directeur artistique et même de propriétaire de bar à Buenos Aires sont en rapport avec chacun de mes projets. Ce qui m’intéresse, c’est de ressentir mon époque. Être né dans les années 70 marque mon travail. Je suis analogue de naissance et d’adoption. Mes influences viennent des musées, des films, de la radio, des magazines et de la rue. L’espace de la rue est important. On n’a pas toujours l’encre et la voix. Le « Dire ». Alors l’affiche entre en scène. Le cadre le plus représentatif de l’histoire, de la narration. Précise. Une image qui dit tout, de façon personnelle. Encore, la fiction doit être crédible. J’aime le design « champagne ». La sophistication réside dans les détails.

Le concept de Brandingfobia s’applique à de multiples supports, comme ici en workshop avec des étudiants

Quels sont les problématiques sociales et politiques pour lesquelles vous vous engagez et qui inspirent votre travail ?

Toutes. Je ne distingue pas les ennemis. La sentence est la suivante : « peu importe l’extérieur si je suis dans ce qui me plait ». Je suis une personne qui consomme des choses inutiles, mais cela ne veut pas dire que je n’en vois pas les maux. Notre bourgeoisie mourra par implosion. La lutte contre les marques, c’est enfantin. Ce que nous pouvons faire de productif est de créer de nouveaux systèmes d’organisation et de nouvelles formes d’autonomie gouvernementale. S’inspirer de la nature peut être, par exemple, une ligne directrice forte. La tristesse actuelle suscitée par l’incendie Notre-Dame de Paris prouve notre fragilité. L’inspiration est pour moi à la fois un inconfort et un plaisir maximum. La matérialisation (la réalisation) est autre chose.

Mon travail est à la fois constant et changeant. Quel qu’en soit le support, lettrages et projets personnels, collaborations, commandes commerciales.

Sur la route, j’utilise de plus en plus l’analogique. Avec le confort du connu, j’ajoute une erreur à mon action. Encore une fois … L’erreur est l’ami, le classique est moderne et la sophistication est dans les détails..

En plus de mon travail sous le nom de Mono Grinbaum et de Brandingfobia, je travaille sous les noms de Gymnasio tipográfico (studio de direction d’art typographique basé à Madrid et à Buenos Aires) et Pantano (petit bar à cocktails et sánguches (sandwichs typiques) à Buenos Aires) en plus de développer pour différentes villes le projet de typographie expérimentale INK DAY.

Qu’est ce que le concept de Brandingfobia (marques-phobie) signifie ?

Brandingfobia est le nom de ma plateforme d’activisme conceptuel. Une sorte de spin-off de mon activité de graphiste et d’architecte d’intérieur. Brandingfobia comprend des échantillons, des enseignements, des ateliers, des publications et des présentations sur scène. Brandingfobia gratte la surface… de la forme. Les expositions institutionnelles, l’enseignement, la conception de produits et la publication d’essais graphiques se rencontrent sous cette marque. Elle met l’accent sur les communications de masse et s’inquiète de la consommation disproportionnée des villes et de son humour qui éternue dans tous les coins. Le réseau de symboles hégémoniques et leur tentative désespérée d’acheter la nouvelle Audi stimulent mon humeur. Acide et ironique.

NDLR : Le nom de Brandingfobia désigne le studio de Mono Grinbaum mais est aussi communément associé à une partie de son travail qui consiste à s’emparer d’objets, de publicités et d’images de mode, montrant des femmes pour la plupart, pour les retravailler par l’écrit et le lettering apposé de façon all-over.

Pourquoi avoir choisi l’affiche comme support de votre message ?

L’affiche, c’est être séduit par la synthèse. Dire avec peu ou beaucoup mais produire un rendu clair pour tous et en temps voulu. Il est important que l’affiche vibre pour son temps. C’est pourquoi j’aime le classique. Le classique est moderne. Un coup à l’oeil. Je préfère un coup doux sur le visage. Si doux que ça vous coûte d’oublier ça.

Quelle la situation pour un graphiste et un affichiste à Buenos Aires ?

Mon travail, à la fois producteur graphique et enseignant ou les différents domaines dans lesquels je travaille, ont toute la liberté que mon être me laisse. Je vis en harmonie avec l’environnement. Bien que je comprenne que je ne contrôle pas la lecture de mon travail, je suis sûr qu’il a été produit honnêtement et à partir de ma motivation personnelle. Le fait d’exposer et d’enseigner dans des contextes différents avec des histoires et des langues différentes telles que l’Amérique, l’Espagne, la France, la Hongrie ou la Russie nourrit mon travail, mon accueil, ma tolérance et mon empathie.

Quel type d’image préférez-vous travailler ?

Le choix des outils (je considère l’image comme un outil) est totalement aléatoire, mais il existe une «humeur» qui les unit. Le langage analogue ainsi que l’économie de ressources sont des accents qui, avec l’utilisation du lettrage au cours des dernières années, marquent mon orientation graphique de la même manière que mon dernier projet gastronomique (Pantano) dans lequel, avec mes partenaires, nous contrôlons les couleurs, la sélection de la matière première et enfin le menu. Dans le risque réside une partie du plaisir.

Lors de la première rencontre avec un client, le swing du projet se définit. C’est le sens du design de la matérialité, de sa lecture et de son prix. Avec de l’argent, nous sommes tous des génies. J’aime la défausse. J’ai la facilité de sauver la belle dans la défausse. Dans les oubliés. Je pense que les rides disent plus d’une personne qu’une peau lisse. Jeunesse et beauté, un beau piège.

Qu’est-ce que le lettering apporte à votre travail ?

De nos jours, le lettrage est la façon la plus honnête d’utiliser le mot visuellement. C’est la manière que j’ai trouvée pour m’en occuper, l’habiller et la communiquer. J’ai été professeur de typographie et de graphisme à l’Université de Buenos Aires pendant plus de quinze ans, j’étais un consommateur régulier de lettres (notamment via des abonnements annuels aux magazines U&lc, Emigre, etc.). Je reconnaissais les sources (des caractères) avec facilité et naturel.

Aujourd’hui, tout cela a été éclipsé par le lettrage à la main. Capricieux, particulier et au service du message: lettre dessinée, collage, typographie ou pochoir. Ce qui marque mon action est l’expression et la personnalité de la lettre. Mon défaut correspond à mon éthique de concepteur et de communicant. Mes défauts de design vibrent toujours avec la demande. Être commercial ou personnel.

À l’exposition Fiesta Gráfica, nous notons que les graphistes d’Amérique Latine mettent leurs compétences graphiques au service d’un changement de la société… Pensez-vous que cela s’applique à la plupart des graphistes américano-latins ?

L’affiche est à la mode. Des appels, des échantillons, des publications en rendent compte. Cet échange intellect-graphique en est la cause. Le monde est brûlé : crise et sensibilité, moments de tension politique et de réflexion active. C’est un moment intéressant, il y a une place pour le romantisme. Le fantasme titanesque et héroïque qui suppose une affiche dans les marées visuelles infinies de la mégapole. La fugacité de l’image dans un monde de plus en plus visuel chaque jour, plus visuellement fragmenté. Ici, arrive l’affiche avec la conviction que l’image a du pouvoir. Pour moi, l’affiche me met à la place d’un chasseur. Aujourd’hui, l’affiche est un marché de guérilla. Son utilisation historique est toujours valable. Vendre. Des idées, des produits ou ce dont les temps ont besoin.

Quelles sont vos influences et vos inspirations ?

Mes influences sont larges, limpides et variées. J’ai mon Olympe (= mon podium NDLR). 5, 7 ou peut-être 10 lanternes dont la lumière continue de s’allumer. Ensuite, il y a quelques anneaux qui brillent avec la liberté de celui qui vient et part quand il veut. Définitivement, je puise plus dans l’art que dans le design. Dans les décennies passées. Les ismes Lee Perry (musicien jamaïcain NDLR), Christian Marclay (musicien et plasticien suisse NDLR) et Gordon Matta Clark. Le situationnisme et les Blues Brothers. Les voyages, les aéroports, les supermarchés. Les magasins de quartier et la photographie, les friperies. Gilbert et George, le punk, DADA. John Heartfield, Pollock, Rothko et Motherwell. Les cut-up des auteurs Brion Gysin et William Burroughs (une façon de ré-agencer un texte après l’avoir découpé en fragments NDLR). Raymond Pettibon, la technique du Pixacao, les beatniks. John Landis (réalisateur de clips NDLR), The Cramps, le hip hop, la gastronomie ; et un énorme « etc » …

Que pensez vous de l’initiative de l’exposition Fiesta Gráfica ?

La générosité de Michel (Bouvet) est énorme. Ensemble avec Daniel (Lefort), ils ont proposé quelque chose de puissant et harmonieux. Puissant tant par le contenu que par les formes, l’ironie, l’acidité et même la virulence visuelle latine faisant écho aux problèmes sociaux, politiques et culturels. La tradition de la lutte visuelle est toujours active et la Fiesta Gráfica est un excellent amplificateur de la situation latino-américaine.

Que ressentez-vous lorsque vous voyez vos posters dans un musée, sortis de leur contexte urbain, politique et social ?

J’aime voir mon travail. Dans chaque contexte, il a son intérêt. Le fait de le voir dans un contexte artistique (muséal) a l’avantage de dire que parmi les paramètres de sa création, l’exposition et la vente ultérieure ont été envisagées. Le mieux est de savoir ou de recevoir un retour de quelqu’un d’un autre pays qui a acheté votre travail. Une fois que le travail sort de vos mains, vous perdez le contrôle. A partir de là, tout est bonus …


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